?

Log in

No account? Create an account

Previous Entry | Next Entry

Эдуард Штейнберг (рожд.1937) родился в Москве, учился рисованию только в детском художественном кружке, а затем у своего отца, выпускника ВХУТЕМАСа, который и передал сыну традиции русского авангарда, эстетику и идеи русского супрематизма.
Главный французский эксперт по русскому искусству Жан-Клод Маркадэ пишет о нем: «Абсолютная оригинальность Штейнберга состоит в том, что он создает картины-иконы, изобразительные элементы которых приобретают аспект сверхчувственного. Во многом он развивает идеи Казимира Малевича..." Но по мнению самого художника его программа - "синтез супрематических форм и мистических идей русского символизма 10-х годов".



Ирина Кулик так пишет о его творчестве: "Он отказывается видеть в пересечении линий простую геометрическую форму и обязательно усматривает в ней христианский крест. Но и сам этот слегка покосившийся крест уже не хочет быть религиозным символом, а обязательно предполагает погост, вслед за которым в абстрактное полотно просачиваются избы, вороны, силуэты баб в платках и мужичков в картузах."



Язык геометрической абстракции оказался актуальным для мирового культурного контекста, но мне не дано понять этого вида искусства, я допускаю, что это может нравиться, что некоторые понимают глубинный скрытый смысл изображаемого, но...

Янкилевский Владимир Борисович (рожд.1938) родился в Москве, начинал обучение живописи у отца - художника, затем в художественной школе при институте Сурикова и в Полиграфическом институте. В 1962 году, вместе с другими художниками - нонконформистами участвовал в знаменитой выставке "30 лет МОСХа" в Манеже, где его картины раскритиковал Хрущев.



С тех пор и до 1978 года, когда состоялась его первая выставка в Москве, он работает в разных издательствах как художник-дизайнер. Сам он называет свое творчество "эпической экспрессией", когда "чувственность и эротизм соединяются с высочайшим уровнем концептуализации действительности". Главная тема его творчества - Человек на фоне Вечности, взаимодействие женского и мужского начала в мире, которое "очеловечивает" мировую гармонию.

Сегодня работы Владимира Янкилевского представлены в главных российских музеях и ведущих музеях мира, с 1989 года он живет и работает в Нью Йорке и Париже, иногда - в Москве.

Илья Кабаков (рожд.1933) родился в Днепропетровске в семье слесаря и бухгалтера. С началом войны эвакуировался с матерью в Самарканд, учился там в московской художественной школе, затем был переведен в Москву и после ее окончания учился в Суриковском институте на отделении графики. Начинал свою художественную карьеру молодой Кабаков иллюстратором детских книг.
С конца 50-х он стал заниматься живописью для себя, а в 60-х - стал активно участвовать в нонконформистских выставках в СССР и уже с 1965 года некоторые его работы экспонировались на выставках неофициального искусства в Европе. В 80-х годах Кабаков меньше занимается графикой, увлекается инсталляцией и начинает одну из своих самых известных работ - «Человек, который улетел в космос из своей комнаты», над которой работал 4 года.



В 1987 году он получает первый зарубежный грант от австрийского культурного фонда, а в 1989 после получения немецкой стипендии по академическому обмену переезжает в Берлин, а затем в США. Тогда же он начинает работать и выставляться вместе со своей женой Эмилией, тоже художницей. У Кабакова с тех пор прошло большое количество выставок в знаменитых музеях мира, в том числе в МоМА, Центре Помпиду, на Венецианской биеннале и других. В России начал выставляться с 2000 года, является почётным членом Российской академии художеств. После большой выставки «Russia!» в 2006 году музее Гуггенхайма, когда его инсталляция экспонировалась рядом с иконами Рублева, картинами Репина, Брюллова, Малевича и других "великих", он стал считаться зарубежом одним из самых известных русских художников конца 20 века. Для примера: работа Кабакова "Жук" была продана на аукционе в 2008 году за 5,84 миллиона долларов.



"Жук" в русском советском языке того времени – это не только визуальная метафора драгоценного камня в красивой оправе, но и обозначение хитрого человека, умеющего делать деньги. Серия «глянцевых» картин, к которой принадлежит «Жук», позволила Кабакову интегрировать в свое искусство умение соблазнять и удерживать зрителя иллюзорностью, что он позже использовал в своих проектах инсталляций." ( Екатерина ДЁГОТЬ).
В сентябре 2013 года в Москве состоялось открытие на Пионерском пруду Парка Горького художественного проекта Ильи и Эмилии Кабаковых «Корабль толерантности», более 300 школьников Москвы приняли участие в создании паруса для него.



«Художественный проект “Корабль толерантности” – это диалог, образец современного паблик-арта. “Корабль толерантности” обращен ко всем, а не к избранному кругу интеллектуалов, – считает Илья Кабаков. – Главное здесь – тема толерантности: не показать самого себя, чего хочет каждый взрослый или ребенок, а показать, что другой точно такой же, как и ты.».

Олег Целков (рожд.1934), родился в Москве в семье экономистов. "Отец у меня - из подмосковных крестьян, а мама из евреев, из Белоруссии. Я - живое воплощение могучего русско - еврейского единства. Время было гадкое," - говорит он о тех послевоенных годах. Неожиданно для себя самого юный Целков был принят в художественную школу для одаренных детей. "Таких школ было всего три на весь Союз. В Москве, Питере и Киеве. Сорок девятый год. Только что разогнали безродных космополитов. И тут появляюсь я…", - рассказывал он позже.
Потом Целков учился в Минском художественном институте и в Академии художеств имени Репина в Москве, был исключен, но закончил образование в Институте театра и кино.



Первая его "квартирная выставка" состоялась в 1956 году, а начиная с 1960 года он нашел и остался навсегда верен своей главной теме - лица-личины-маски. Олег Целков говорит: «...В живописи я подкидыш, бастард, сирота. Для меня не было и нет ни учителей, ни правил. Единственный закон - это я. Я и начало, и конец бытия. Главный судия это тоже я. Когда я в шестидесятом году написал впервые своего Морда - так я назвал потом этого странного героя, - то обалдел. Это был не портрет отдельно взятого субъекта, а портрет всеобщий, всех вместе в одной роже - и до ужаса знакомой. То есть я, сам того не ведая, случайно стянул маску со всех лиц сразу".



Первая официальная персональная выставка Олега Целкова прошла в 1965 году в Институте им. Курчатова и продержалась 2 дня, вторая в Доме Архитектора была закрыта через 15 минут после открытия, но с 70-х годов его работы выставляются и продаются в Европе и США.



В 1977 году он покидает СССР (по настойчивому "ппредложению" властей), живет в Париже, так и не приняв французского гражданства. Только в 2004 году впервые в России прошли его выставки, а в 2014 году - большая юбилейная выставка Олега Целкова «Бубновый туз».



"Я не могу иметь конкретных претензий ни к одному человеку, но я имею более чем конкретную претензию к массе людей, которые друг друга унижают, мучают, отправляют на тот свет.Эти претензии я вправе иметь и к прошлому, и к настоящему, и к будущему." - Олег Целков.

Виталий Комар (рожд.1943) родился в Москве в семье военных юристов. После детской художественной школы учился Строгановском училище. Там он познакомился с Александром Меламидом (рожд.1945), родившимся тоже в Москве в семье историка и публицистки. Уже с конца 60-х годов они начали работать вместе, и вскоре стали известны как основатели художественного течния "соц-арт", параллельного западному "поп-арту", некий синтез соцреализма и дадаизма, пародия на официальное советское искусство, его идеологию и образы современной массовой культуры.в СССР.



Художественный язык этого направления - ирония, гротеск, эпатаж, игра с символами и образами советской политической агитации. «Если поп-арт был порожден перепроизводством вещей и их рекламы, то соц-арт был порожден перепроизводством идеологии и ее пропаганды, включая пропаганду визуальную…»-Виталий Комар. В 1974 году Комар и Меламид были участниками знаменитой "Бульдозерной" выставки, а в 1978 году эмигрировали в Израиль, а уже оттуда в США.



В 1982 году состоялась их первая успешная выставка соц-арта в США, а в 1983 году МоМА и Метрополитен купили несколько их картин, они участвовали в концептульных проектах, сочетающих скульптуру, музыку, живопись и поэзию, стали первыми русскими художниками, получившими финансирование от Национального фонда искусств.



У них было множество различных проектов, иногда экзотических, как обучение рисованию слонов в Тайланде, организация исследований процесса избирательных кампаний или создание оперы "Голая револоюция" о Вашингтоне, Ленине и Дюшане. В 2004 году после того, как у них было 60 персональных и примерно 70 групповых выставок, они прекратили сотрудничество, каждый пошел своей дорогой. «Комар и Меламид заимствовали элементы официального мифа, переосмыслили его и предложили новый набор культурных парадигм». Маргарита Тупицына.

Михаил Гробман (рожд.1939) родился в Москве, заканчивал вечернюю школу, работая каменщиком на стройке, учился в Мухинском художественном училище, там же прошла в 1959 году его первая персональная выставка. Тогда же появилось выражение «к Мише Гробману в Текстильщики» – этот адрес был известен в широких кругах поклонников неофициального искусства 1960‑х и в КГБ.



Там в деревянном бараке, где он жил с женой и двумя детьми, был центр тогдашнего современного искусства, сюда приходили художники и поэты, здесь читали стихи, пили чай и кое-что покрепче. Сюда приходили коллекционеры, западные журналисты, русские эмигранты и зарубежные искусствоведы. Кабаков говорил о художниках этой группы так: «Самоубийственность удара, гладиаторство, риск, умирание в акте свойственны работам этой группы. Окончательно бескомпромиссные – вот главное впечатление от их работ. Подозревать, что они были сделаны для покупателей, тут невозможно».



Многие из них занимались саморазрушением, ходили "по краю", Гробмана удерживала от этого любимая жена и дети, он был для остальных «отцом и матерью и коллекционером». Он имел дар оценить качество работ, сумел увидеть их место в исторической перспективе, он дал определение направлению этой группы художников как «второй русский авангард".



К концу 60- годов, после Новочеркасска, Берлинской стены и танков в Праге перед многими евреями оставался только один выбор - национальное самоопределение. И Гробман, который и до этого жил в пространстве еврейской культуры, его сделал, одним из первых, уехав в 1971‑м в Израиль. Уже в Израиле он создал художественную группу "Левиафан", в основании которой лежали три главных "камня" - примитив, символ и буква.



в Израиле он ничуть не утратил своей бескомпромиссности и страстности. Гробман пишет: «Народность и религиозность – две колеи нашей дороги. Дороги к новому еврейскому искусству, достойному чуда возрождения Израиля».

Гриша Брускин (рожд.1945), родился в Москве, в большой семье (пять детей), учился в Текстильном институте и уже в 24 года был принят в Союз художников, но выставки его запрещались (например, в 1984 выставка Гриши Брускина в Центральном Доме работников искусств закрывают на следующий день , он практически не был известен публике.



Но в 1988 году на московском аукционе «Сотби» его работа «Фундаментальный лексикон» продана за рекордно высокую цену (930.000 долларов).



Он становится сразу знаменит, получает несколько зарубежных предложений и уже через неделю уезжает по культурному обмену в США, где и остается. У Брускина две основные темы творчества, первая - Книга (ТАНАХ и Каббала),он создает огромный 11-метровый гобелен, на котором вытканы 160 фигур еврейского фольклора, библейской и каббалистической мифологии.



и вторая тема - социальная мифология советского времени, закат империи. «Брускин рассматривает процесс заката советской империи в перспективе Ветхого Завета, обещающей закат и падение всех империй. Но в то же время его увлекает прежде всего эстетическая сторона этого упадка — эстетика упадка как таковая.» - Борис Гройс. Сам Брускин говорит о своем творчестве так: "То искусство, которым я занимаюсь, родилось в большой степени из чтения книг. Я считаю, что это – еврейский способ обращения к искусству..."



Живет Брускин сегодня в Америке, произведения его находятся в крупнейших музеях мира, а сам он считается одним из наиболее известных русских художников на Западе.
Заканчивая этот небольшой обзор русского авангарда и вклада в него художников еврейского происхождения, можно с некоторой долей юмора сказать, что в свое время евреи хотели походить на всех остальных, но все‑таки дождались времени, в котором все остальные начали походить на евреев.
И еще пару слов о музыке, которая сопровождает оба мои видеоклипа к теме. Она принадлежит не очень известному в наше время композитору Артуру Лурье (1892-1966), хотя когда-то В.Маяковский провозгласил:"Тот дурьё, кто не знает Лурьё!". В начале века имя этого композитора и музыканта гремело не меньше, чем имена Прокофьева или Стравинского. Но известен он был не только своей музыкой и исполнительским мастерством, но и своим романом с Анной Ахматовой. Они прожили вместе всего несколько лет, пока композитор не принял решение уехать на Запад. Списаться снова они смогли почти через полвека...
Итак, вы можете посмотреть тут видеоклип ко второй части



Ссылки:
http://www.eleven.co.il/categ/2300
http://www.evrey.com/index.php3
http://artandyou.ru/category/history
http://cultobzor.ru/ -
http://www.lechaim.ru/4470
http://www.kommersant.ru/doc/2684435

Comments

( 2 comments — Leave a comment )
pamur777
Jul. 28th, 2015 11:07 pm (UTC)
нравится мне ваш журнал все-таки))
mknizhnik
Jul. 29th, 2015 04:41 am (UTC)
спасибо
( 2 comments — Leave a comment )

Profile

mknizhnik
mknizhnik

Latest Month

February 2018
S M T W T F S
    123
45678910
11121314151617
18192021222324
25262728   

Page Summary


Powered by LiveJournal.com
Designed by Lilia Ahner